sábado, 22 de mayo de 2010

Goya: Los fusilamientos de la Moncloa




(Rocío) Este cuadro es de Goya y pertenece a la 2ª mitad del siglo XVII (barroco español). Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid y es un óleo sobre lienzo.

El tema es histórico y representa el momento culminante los franceses están a punto de fusilar a uno de los civiles españoles que se había participado en la revolución. Mientras que otros yacen muertos en el suelo y otros esperan su turno angustiados.

La composición divide en dos el cuadro, por un lado los franceses verdugos, nos los presenta de espaldas impersonales, siguiendo órdenes de matar, mientras que el pueblo de Madrid está desordenado y sí se les ven las caras, mostrando dolor, desesperación, sentimientos.

Los colores son luminosos y contrastados, blancos, rojos, amarillos, verdes ácidos, azules...y la pincelada es espontánea y pastosa.

La luz está principalmente en el pueblo de Madrid y parece irradiar del personaje de la camisa blanca.

La obra está dotada de mucha expresividad y comunicación.




Goya: El quitasol

(Rocío)

Esta obra es de Goya y pertenece a la 2ª mitad del siglo XVII barroco español. El estilo de este pintor no se puede clasificar, porque es diferente a los demás , más personal. Se encuentra en el Museo del Prado y forma parte de la serie de cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara; en concreto, para la serie destinada a la decoración del comedor del infante Carlos, entonces Príncipe de Asturias, (es un óleo sobre lienzo).

El tema es una escena costumbrista dentro del ambiente del pueblo, son dos jóvenes vestidos de maja y majo, no se sabe exactamente si el joven era su criado o su pareja. Ella nos mira de manera descarada y coqueteando.

La composición, las líneas de fuerza dibujan casi un triángulo equilátero en el que se enmarca la muchacha. Esta figura geométrica expresa una gran serenidad. Por otro lado, todas las miradas convergen en el rostro de la joven, matizado por una sombra filtrada de suaves tonos verdes creados por el color de la sombrilla. El óvalo de la joven es una elipse regular y en ella se cruzan dos diagonales determinadas por la dirección de la mirada del mozo y la línea del muro de la izquierda, cuya perspectiva se ha forzado para que esta diagonal incida en el buscado centro de atención del cuadro.

La profundidad la consigue superponiendo a los personajes, con el paisaje del fondo...

Los colores son luminosos y contrastados, amarillos, verdes ácidos, rojos, azules...aunque están equilibrados: verde del paraguas con los árboles, el amarillo de la falda con la chaqueta del chico, el rojo del tocado de ella con el rojo del collar del perrito....

Crea juego de luces y sombras, gracias entre otras cosas al paraguas, que ensombrece el rostro de l ajoven .

La inmaculada de Murillo

(Rocío)

Fue pintada en la sedunga mitad del siglo XVII (barroco español) por el maestro Murillo. Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid y su técnica es óleo sobre lienzo.

El tema es religioso, y al igual que las demás Inmaculadas que pintó el artista sigue un mismo esquema: es una virgen joven, adolescente de rasgos suaves, vestida del blanco (pureza) y con un manto azul, que somete a una serpiente como símbolo del Mal o se apoya sobre una media luna ( que alude a la herejía del Islam, ya que España estaba en contra por ser católica).
La escena se completa con unos querubines que rodean a la Virgen.

El eje central de la composición es la Virgen, apoyada sobre la media luna y unas nubes, alrededor sólo hay masas de aire, nubes y querubines. La profundidad la crea mediante los escorzos y la superposición de personajes.También con un angelito que se intenta ocultar tras el manto de la virgen.

Los colores todos cálidos, dorados, terrosos, exceptuando el manto azul de la virgen. La pincelada es más o menos suelta y los rostros de los angelitos y de la virgen son dulces y amables.

La luz, (excepto en la esquina inferior derecha), es dorada, por influencia veneciana y de Tziano. Y en la esquina es tenebrista porque hay una gran oscuridad y contraste.

Hay movimiento , de los querubines volando y rodeando a la Virgen y comunicación entre ellos y entre ellos y la virgen...

Murillo: Niños comiendo uvas y melón

(Rocío)

Esta obra es de Murillo y es de la segunda mitad del siglo XVII, del barroco español. Está  en el Museo:Neue Pinakothek (Munich) . Y es un óleo sobre lienzo.


Se representa una escena naturalista porque es un hecho cotidiano, de la picaresca española: dos niños de la calle sacian el hambre comiendo uvas y melón.

Ese primer plano sumado al fondo oscuro y neutro provocan que las figuras se independicen y nosotros nos introduzcamos en el cuadro. La profundidad la consigue con los escorzos de los niños y colocando la cesta de uvas delante de uno de ellos, también con el melón que sujeta el otro (por delante de él).

Los colores son naturales, cálidos, tonos tierra...la pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y los contornos se difuminan mediante el esfumato (de Da Vinci).

La luz es tenebrista, porque hay un gran contraste entre las zonas oscuras y las claras. El naturalismo está presente, porque las ropas de los niños están raídas ya que viven en la calle, y están representados los gestos de glotonería y hambre de los dos.

Existe comunicación entre ambos, que se miran cómplices.

Los borrachos de Velázquez.




Esta obra se titula Los borrachos y es de Velázquez, lo pintó en 1629 s.XVII(es de la 2ª etapa del pintor cuando este tuvo ocasión de viajar a Italia y aprender de los maestros de allí), pertenece al barroco español. Está en el Museo del Prado y es un óleo sobre lienzo.

Es un tema mitológico en un cuadro costumbrista, es decir, que se desarrolla una escena cotidiana, con la excepción de que aprecen personajes mitológicos participando. Baco el dios del vino, está coronando a un borracho, mientras que los demás ríen, beben u observan. El dios Baco de esta obra está inspirado del de Caravaggio, ya que tienen un gran parecido y ambos no están idealizados, sino que son muchachos normales.

Composición más o menos triangular, por los tres personajes del primer plano. Profundidad creada con la coclocación de personajes de espaldas, de perfil , en escorzo...Además al fondo aparece un paisaje.

Los colores son cálidos ocres, terrosos, rojos y rosados (en la túnica de Baco) que nos pueden aludir al teatro a un telón. Los tonos fríos solo aparecen en el cielo y en el fondo básicamente. La pincelada es más suelta en la parte derecha, es más impresionista; mientras que en la derecha los contornos son más definidos y el dibujo un poco más clásico.

La luz es tenebrista y procede de un foco exterior al cuadro, nos ´da las calidades de los materiales y también nos ilumina los rostros y lo que elautor quiere resaltar. Aquí también aparece una división entre izquierda ( el dios Baco está muy iluminado y se ve que e sun muchacho joven) y la izquierda aprecen una serie de personajes borrachos, de mayor edad, con sus arrugas y defectos ( de ahí el naturalismo) que seguramente serían personajes reales que conocía el pintor.

Existe comunicación  entre los personajes del cuadro y también entre ellos y el espectador, porque dos de ellos nos alzan una vasija invitándonos a beber con ellos, se establece una complicidad.

Velázquez: La vieja friendo huevos





(Rocío)

El autor del cuadro es Velásquez, uno de los pintores más conocidos e importantes del barroco español. Fue pintado en 1618 en la 1ª mitad del s.XVII (por tanto es de la 1ª etapa del pintor). Es un óleo sobre lienzo que se encuentra en la Galería Nacional de Escocia (Edimburgo).




El tema es un retrato naturalista, porque aparecen dos personajes reales en una situación real de la vida cotidiana: Una anciana friendo un huevo, que parece hablar o mirar al niño que posiblemente será un nieto o conocido. Se representa un movimiento en potencia, porque parece que la mujer justo va a mover la mano. Al ser de la 1ª etapa, la obra tendrá las siguientes características: los tonos son ocres, será tenebrista y naturalista y aparecerán elementos de bodegón o bodegones en la escena.(tal y como se puede apreciar en la mesa en la que hay una jarra, un plato, un mortero...)



La composición u organización oval, en la que parecen personajes en primer plano muy próximos, nos acerca al cuadro. El fondo oscuro y neutro hace que los dos personajes se independicen de él. La tercera dimensión la consigue superponiendo elementos, colocando la mesa con utensilios delante, luego a la mujer mayor...con los escorzos de ella y del joven, colocando una cesta en la pared de menor tamaño por lo que se deduce que está más lejos...



Los colores son ocres y terrosos, aunque también aparecen blancos intensos que llaman la atención, como en el huevo, el plato...



La luz es tenebrista de influencia italiana, existe un gran contraste entre luz y sombra, y en las zonas oscuras no se distingue nada.

Esa luz, proviene de un foco externo al cuadro desde la izquierda, iluminando la parte derecha del cuadro, es decir, la anciana, sus útiles, los huevos fritos...dejando oscuro el resto. Con esa iluminación consigue darnos las calidades de los distintos materiales, porque sigue el realismo y además experto en bodegones. (consigue la calidad de los metales, de la cerámica, de las telas ...incluso de los huevos fritos).

También le interesa representar mediante un naturalismo total , las edades, los defectos, o características tanto del niño como de la anciana. Y la comunicación y movimiento también se aprecian.



Otra obra de esta época es: El aguador de Sevilla

Zurbarán: San Hugo en el refectorio



(Rocío Martínez-Oña Marcos)


Se titula San Hugo en el refectorio y su autor es Zurbarán. Se pintó en la primera mitad del siglo XVII, durante el barroco español. Se encuentra en la Sacristía de la Cartuja de Santa María de las Cuevas en Sevilla. Por último decir que la técnica es óleo sobre lienzo.

El tema es religioso y representa un milagro y una escena colectiva de tipo religioso, en la que aparecen una serie de personajes en torno a una mesa.

La composición , por lo tanto, se estructura en torno a la mesa. El autor utilizó un punto de vista alto, gracias al cual podemos ver los la comida y los utensilios, esto no sólo servía para conseguir profundidad sino que además permitía al autor demostrar su gran habilidad para representar los alimentos, las vasijas... (ya que Zurbarán también era pintor de bodegones). Como recursos para ampliar el espacio utiliza la superposición de personajes, la colocación de alguno de los monjes de perfil, la puerta por la que se ven otros edificios, el escorzo de la mesa, el colocarla de manera que esta haga esquina...Otro recurso es el cuadro que aparece en el propio cuadro, en el que aparecen María con Jesús en brazos y San José, con un paisaje al fondo, por lo que nos da la sensación de más espacio. Además puede que ese cuadro representara el tema principal mientras que el tema secundario quedaría en el primer plano.

Los colores son en su mayoría cálidos, ocres...y destacan los blancos de los hábitos de los monjes, característica que distingue a Zurbarán. También nos llaman la atención los rojos que aprecen en las túnicas de María y San José.

La luz procede de un foco exterior al cuadro y nos da las calidades de las telas (este pintor conseguía las sombras de los hábitos con distintos tonos de blanco).

Zurbarán




(Rocío Martínez-Oña Marcos)


La obra se titula la Visión mística de san Pedro Nolasco y su autor es Zurbarán. El cuadro fue pintado en 1629 (1ª mitad del siglo XVII), es de estilo barroco. Se encuentra en el Museo del Prado de Madrid y se trata de un óleo sobre lienzo.

El tema es religioso, y fue un encargo de la Orden de la Merced (de Sevilla). Observamos la figura de San Pedro Nolasco, fundador de la Orden de la Merced, recluido en su celda y a quien se aparece un ángel adolescente. Este ángel le muestra en una visión celestial los muros de la Jerusalén fortificada, símbolo de la fortaleza de la fe cristiana. Esta ciudad fue emblema de urbanismo y teología, siempre caracterizada por sus torres, sus murallas y sus puentes levadizos tendidos a los fieles.

La composición es triangular (los dos personajes forman el triángulo, a su vez si estos se esquematizaran también formarían por separado dos triángulos ). El espacio pictórico lo consigue dándonos un punto de vista alto, por el que podemos ver la superficie de la mesa y de la silla (aunque el efecto no está muy conseguido), también lo consigue con las posiciones en escorzo del ángel y del monje. El fondo oscuro y neutro, hace resaltar al santo recortando su blanca figura, dando la sensación de irrealidad, de que el santo está volcado en la visión sobrenatural.

A Zurbarán lo caracterizan sus contornos muy detallados y su realismo. Destaca el blanco del hábito del monje (conseguía las sombras con distintos tipos de blanco). En el cuadro predominan los colores cálidos y ocres aunque también utilizó los fríos, como se puede ver en la banda de tela del ángel o en la visión de san Pedro (en la arquitectura de Jerusalén). El halo de luz dorada que envuelve al sueño probablemente sea de influencia veneciana y de Tziano.

El recurso de iluminación está muy ligado a la influencia del Barroco italiano, concretamente a Caravaggio, porque hay mucho contraste entre las luces y la sombras.

La luz procede del exterior del cuadro, o parece también que el halo de luz dorada de la visión estuviera iluminando a los personajes. Esa iluminación sirve para darnos las calidades de las telas y para conseguir el volumen de las figuras, también para dar dramatismo y misterio a la obra barroca.

viernes, 21 de mayo de 2010

Ribera: La Trinidad

Este óleo sobre lienzo fue pintado por Ribera en la primera mitad del s.XVII en el barroco español. Se encuentra en en el Museo del prado de Madrid.

El tema es religioso y recoge el misterio de la Trinidad, que afirma que Dios es  Padre (el hombre de avanzada edad con el manto rojo), Hijo (Cristo en brazos del padre) y Espíritu santo (la paloma), a la vez. Alrededor de ellos, aparecen unos querubines.

Composición en diagonal típica del barroco que impregna la escena en su conjunto de un movimiento creando una cierta inestabilidad, que viene resaltada por la posición inestable y en zig-zag de Jesús (de influencia manierista), la estilización de Jesús también es maniesrista. Tanto el manto de Dios padre ( que se convierte en una especie de telón conforme avanza hacia los lados), como el paño de detrás de Cristo, hacen alusión al teatro, que fue muy importante durante el barroco.

El dibujo de los contornos es muy  preciso y las pinceladas blandas y pastosas. En cuanto al color, la escena se divide en dos partes:

-La parte alta, de influencia veneciana por el uso de dorados y colores cálidos.

-La parte baja: de influencia tenebrista de Caravaggio, con mucho contraste en tre las luces y las sombras, creando un gran dramatismo y misterio, perseguidos por el arte barroco.

-Las expresiones también están teatralizadas  y  se establece una comunicación entre Dios padre que nos mira y el espectador que mira hacia él.

Otros cuadros de Ribera son: San Andrés, el Martirio de san Felipe...

Ribera:


Se titula la Mujer barbuda y fue pintado en 1631 por el pintor español Ribera. Pertenece al barroco español de la 1ª mitad del s.XVII. Se trata de un óleo sobre lienzo que se encuentra actualmente en el Museo del Prado de Madrid.

Recoge un hecho de la realidad, por lo tanto es un retrato naturalista, en el que aparece la mujer en cuestión, dando de mamar a su bebé y a la derecha de ella, su marido. En el lado

inferior derecho del lienzo se observa un panel en el que
el pintor señala el nombre del personaje, refiere su origen
y cuenta que a la edad de 37 años desarrolló barba y
que se encuentra en Nápoles.

El eje central de la composición es la mujer, el fondo oscuro y neutro hace que los personajes se separen y destaquen. El espacio pictórico se consigue con el escorzo de la mujer sosteniendo a su hijo en brazos, con la colocación del marido detrás, y nos lo amplía porque tanto la mujer como su pareja nos miran, estableciendo también una comunicación.

El dibujo es minucioso y los contornos son muy precisos, la pincelada es blanda y pastosa. La gama cromática es cálida, con tonos terrosos y ocres.

El foco de luz irreal ilumina lo más importante: la cara de la mujer, el pecho y el bebé mamando, mostrandonos la feminidad que de otra manera, no podríamos apreciar.

La ronda de noche



(Rocío Martínez-Oña Marcos)

El autor es Rembrandt, pintado en el siglo XVII, pertenece al barroco europeo. Se encuentra en el Rijksmuseum de Amsterdam y se trata de un óleo sobre lienzo.

El tema es un retrato colectivo encargado por la Corporación de Arcabuceros de Ámsterdam para decorar la Kloveniersdoelen, sede de la milicia. Debido a esto, Rembrandt usó monumentales dimensiones para el lienzo. En la escena aparece la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en el que éste da la orden de marchar al alférez Willem van Ruytenburch. Detrás de ellos aparecen los 18 integrantes de la Compañía y otros personajes, niños, un perro... Parece ser que los retratos son realistas ya que Rembrandt fue fiel a los modelos reales.


Rembrandt pintó una escena de acción, del gusto del Barroco imperante.




Los soldados están agrupados para embarcarse en una misión (que tipo de misión o patrullaje es todavía motivo de discusión). La composición es original y constituye un nuevo modo de concebir el retrato colectivo. A diferencia de cuadros de la misma temática, en que la disposición de las figuras siguen un orden jerárquico preciso, el pintor basó la colocación de los personajes en razones plásticas.

La composición aparentemente desordenada está en realidad construida en torno a unos ejes:

-Eje horizontal:  Telón de personajes que sirve de apoyo a las dos figuras principales del primer plano. Los cuatros personajes con trajes de colorido característico dominan el grupo central, dirigiendo la mirada del espectador hacia ellos.


-Eje vertical: El capitán con su traje negro, apoyado por la figura del teniente ataviado de amarillo claro. Esta dos figuras hacen que la escena quede centrada, girando a su alrededor el resto de componentes.

-Las diagonales que forman la larga lanza y el asta de la bandera se cruzan en el centro luminoso de la escena, encuadrando los tres grupos de personas con una línea imaginaria, quedando los dos mandos de la compañía en la posición dominante de la escena.

El espacio pictórico lo consigue superponiendo a los personajes, utilizando la arquitectura que hay detrás de los personajes, con los escorzos de las armas y de los retratados, por las lanzas que insinuan que hay más personas (recurso que ya había sido utilizado en la Batalla de san Román de Pablo Cello, en el Expolio de Cristo del Greco... y que será utilizado también por Velázquez en la Rendición de Breda)

El color va sobre el dibujo con pinceladas sueltas y manchas de luz  y color. En el cuadro predominan los tonos cálidos, y un gran contraste con los rojos, y los amarillos claros que se equilibran ( la banda roja del capitán con el traje del arcabucero, y el vestido crema de la niña con el traje del teniente).

La luz es tenebrista siguiendo la de Caravaggio, aunque intenta ser realista, resalta lo importante para el autor. Destacan sobre todo los personajes del primer plano porque un rayo de sol parece iluminarles, mientras que los demás permanecen debajo del portalón o arco, en la sombra.


El cuadro fue llamado en el siglo XIX Patrouille de Nuit por la crítica francesa, y Night Watch por Sir Joshua Reynolds; de ahí el nombre por el que se le conoce popularmente. El origen de este título surge de una equivocación de interpretación, debida a que, en esa época, el cuadro estaba tan deteriorado y oscurecido por la oxidación del barniz y la suciedad acumulada, que sus figuras eran casi indistinguibles, y parecía una escena nocturna. Después de su restauración en 1947, donde se eliminó este barniz oscurecido, se descubrió que el título no se ajustaba a la realidad, ya que la acción no se desarrolla de noche sino de día, en el interior de un portalón en penumbra al que llega un potente rayo de luz que ilumina intensamente a los personajes que intervienen en la composición.

Rembrandt


(Rocío Martínes-Oña Marcos)


Esta obra se titula La lección de anatomía del doctor Tulp y su autor es el artista holandés Rembrandt. Fue pintado en 1632 (s.XVII) , pertenece al barroco europeo, en concreto al holandés. Actualmente se encuentra en el Rijksmuseum de Ámsterdam, una pinacoteca especializada en arte neerlandés. La técnica utilizada fue óleo sobre lienzo.




El tema es un retrato colectivo (muy frecuente en la sociedad burguesa y comerciante que existía en la Holanda del barroco, los temas religiosos no eran tan frecuentes porque la religión era protestante). En la escena aparece el doctor Tulp diseccionando un cadáver, y alrededor de él, se encuentran los alumnos, que en su mayoría muestran un gran interés y atención, mientras que dos de ellos nos observan, característica frecuente en el barroco.
La composición es más o menos triangular, aunque también está marcada por dos diagonales, la que forma el cadáver y la que forman la primera fila de alumnos. El espacio pictórico, la tercera dimensión, la consigue con el fondo oscuro que separa a las figuras de él y las resalta, también superponiendo a los personajes, utilizando escorzos (las manos del doctor, las tijeras...), colocando a personajes de perfil...El espacio se amplia más todavía por los dos alumnos que nos miran.
El color predomina sobre el dibujo, Rembrandt tenía una pincelada suelta, a la ‘’manera áspera’’ que se denominaba en la época, utilizaba manchas de color y de luz, como Tziano. La gama cromática del cuadro es cálida y terrosa, con negros contrastados con blancos.
La luz sigue el tenebrismo de Caravaggio, con gran contraste entre luces y sombras, iluminando los rostros, las manos...
En los retratos se puede apreciar la personalidad de los retratados (unos parecen muy atentos, otros asombrados, distraídos, distantes...) y también la clase social a la que pertenecen. Al autor le interesaba el movimiento y la comunicación entre los personajes y entre los personajes y el espectador(conseguida con las miradas, de unos hacia otros, gestos...)
Otros retratos colectivos de Rembrandt son: Los síndicos de los pañeros y La ronda de noche.

miércoles, 12 de mayo de 2010

Rubens: El rapto de las hijas de Leucipo

(Rocío 2ºC)

Este cuadro se titula El rapto de las hijas de Leucipo, y su autor es Rubens.pertenece  al barroco europeo de Flandes,ejecutado hacia el 1616, s.XVII.  Se trata de un óleo sobre tela, y actualmente se encuentra en
la Alte Pinakothek de Múnich, Alemania.

El tema es mitológico
. Aparecen unas jóvenes que están siendo raptadas por unos hombres que van a caballo.
de anatomías generosas y de pieles nacaradas, las cuales contrastan con el color de piel de las figuras masculinas, mucho más morena.(siendo esta una característica de Rubens).

La composición que forma más o menos un zig zag, está llena de movimiento y dramatismo ya que representa el momento culminante del rapto. El espacio pictórico se consigue superponiendo las figuras, colocando a una de las jóvenes de espaldas, y mediante los escorzos. Las expresiones son teatralizadas y hay un velo rojo que une a todos los personajes, comunicándolos.(característica que utilizaba Rubens).
Los colores cálidos y ,las jóvenes de anatomías generosas, son de pieles nacaradas (influencia de Tziano y de los Caracci) que contrastan con la piel de las figuras masculinas, mucho más oscura. (Estás, son también características del autor).
La escena tiene lugar en un exterior lleno de luz, la atmósfera es cálida y dorada, por influencia veneciana, y en este caso, nos da las calidades de las telas.

Rubens: Las tres gracias.

(Rocío Martínez-Oña Marcos)

Esta obra, un óleo sobre tabla, es del autor flamenco Rubens. Pertenece al barroco europeo (s.XVII)y actualmente se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid.

El tema es mitológico, son las tres gracias de la mitología romana, que también fueron representadas en el Renacimiento en el cuadro de La Primavera de Botticelli. Representan la amabilidad, la simpatía y la delicadeza, son las hijas de Zeus y de la ninfa Eurinome; solían acompañar a las divinidades del amor, presidían acontecimientos festivos, banquetes, danzas...Aparecen como tres muchachas desnudas y de anatomías rotundas de pieles nacaradas (característica de Rubens), que están danzando, al fondo aparece un paisaje natural y sobre ellas, un telón (elemento que se usaba a menudo en el barroco, porque alude al teatro).

La composición: circular, por el círculo que se forma con las tres muchachas, sirve para dar el espacio pictórico, además una está de espaldas y su espalda forma una S praxiteliana (genera mov.). También se aprecia el movimiento , porque las gracias están danzando y levantan un pie. El velo transparente que entrlaza a las tres, comunicándolas, es muy común en las obras de Rubens.
La atmósfera es cálida y dorada (influencia veneciana y de Tziano), predomina el color, con una pincelada larga con toques puntuales de pasta abundante, la gama cromática es cálida.

Caravaggio: La buenaventura

(Rocío Martínez-Oña Marcos)





















Este cuadro (un óleo sobre lienzo), es La buenaventura y su autor es Caravaggio (pintor del barroco italiano), pertenece a su primera etapa (1590-1599), de cuadros pequeños, de medianas figuras,  en los que se representa la vida picaresca y mundana; el estilo es naturalista. Actualmente la encontramos en el Museo del Louvre de París.

El tema es cotidiano (la lectura de la buenaventura), ya que nos representa una escena habitual en la Roma de aquella época. En este caso, la lectura de la mano que realiza la chica gitana al joven para decirle la buenaventura, el porvenir..., mientras que el chico mira ensimismado a la chica, esta corresponde con una mirada astuta, ya que sabe que le está engañando. Caravaggio pintaba del natural, dibujando a modelos reales de la calle, de ahí el naturalismo, por ello, tanto la gitanilla como el joven petimetre,  llevan las vestimentas propias de cada uno.

La composición apretada y mostrando media figura, y el fondo neutro y plano, hace que los personajes destaquen y se separen de él, por lo que consigue espacio pictórico e introducir al espectador en el cuadro.
El color predomina sobre el dibujo, que apenas se aprecia. La gama cromática es cálida y contrastada, son colores naturales, donde predominan los terrosos.
La luz es cálida y dorada (influencia veneciana), imitando al sol, y procede de un foco externo al cuadro.Es direccional, típico de Caravaggio.
La obra muestra una comunicación entre los dos jóvenes y hace participar al espectador, ya que podemos adivinar más o menos, los pensamientos de los personajes, a través de sus expresiones.

Una curiosidad sobre este cuadro es que, tiene una versión anterior.
Otras obras de la primera etapa de Carvaggio son: Los jugadores de cartas, Baco, El cesto de frutas...

Caravaggio, el autor, fue un pintor del barroco italiano, que siguió la corriente naturalista o realista, y fue el creador del tenebrismo. Su biografía es una de las más truculentas de la historia del Arte, ya que parece ser, que fue un hombre de carácter difícil, problemático, enemigo de los Caracci, acusado de asesinato y perseguido por la justicia, por lo que tuvo que marcharse de Roma.

martes, 11 de mayo de 2010

Caravaggio: La vocación de San Mateo


Este cuadro se titula La vocación de San Mateo y su autor es Caravaggio. Pertenece al barroco italiano y es de la segunda etapa del pintor, (1ªmitad siglo XVII, 1600) de stilo naturalista tenebrista. Se encuentra en la Capilla Contarelli en la Iglesia de San Luis de los franceses. La ténica es óleo sobre lienzo.

El tema es religioso y recoge un pasage del evangelio. Una característica del naturalismo de Caravaggio es que narra el suceso en el interior de una taberna y además, algunos personajes bíblicos van con vestimentas del barroco ( en lugar de con túnicas). Por la derecha, entra Jesucristo con un apóstol señalando a Mateo, que es el que se está señalando a sí mismo como si se preguntara ''¿es a mi?''. La escena es sencilla,(naturalismo) con 7 personajes sobre un fondo plano y neutro en el que solo aparece una ventana.

Para conseguir el espacio pictórico, la composición es entorno a una mesa. Para dar mayor sensación de espacio, coloca a dos personajes de espaldas.
El color predomina sobre el dibujo (apenas tiene presencia), y la gama de colores es cálida y terrosa, colores muy naturales.
La luz es tenebrista, con grandes contrastes entre luces y sombras, y procede de un foco externo al cuadro desde la esquina superior derecha, en diagonal, iluminando lo que el autor quiere destacar, los rostros con sus expresiones, especialmente el de Mateo; también resalta la mano de Jesús, señalando.
La obra está llena de movimiento y comunicación, y las expresiones son teatralizadas(carac. barroca).
También destaca la característica naturalista de representar la realidad tal como es, sin idealizar, los rostros curtidos, arrugados, jóvenes, ancianos...

Otras obras de este autor son: Baco, La buenaventura, el cesto de frutas...de su época anterior.